Вход
Регистрация Зарегистрируйтесь, чтобы получить расширенные возможности...

Русское изобразительное искусство

Русское изобразительное искусство — художественно-изобразительное искусство мастеров, проживающих на территории России, за период от возникновения государства до нашего времени.
Редактировать

Изобразительное искусство Древней Руси (X–XII вв.)

См. основную статью «Древнерусское искусство».
Древнерусским искусством принято считать период от возникновения Киевского государства в IX веке до реформ Петра I в XVII веке.
Древняя РУСЬ, приняв христианство в 988 году, переняла от Византии не только религию, но и художественные приемы. С началом строительства храмов, началось распространение настенных росписей, мозаики, и появилась икона. Слово «икона» происходит от греческого слова eikon — образ. Изображение Христа, Богоматери и святых призвано быть посредником между молящимся и божественным миром. «Икона есть видимый образ невидимого, данный нам ради сладости понимания нашего» — сказал Иоанн Дамаскин, объясняя суть этого явления.
Домонгольская живопись Древней Руси сохранилась весьма фрагментарно. Ярким примером может служить икона Богоматери Владимирской, По преданию, икону написал евангелист Лука. Летописи она известна с первой половины XII века. Божья Матерь изображена по типу «умиление», нежно обнимая Богомладенца, предчувствуя страдания собственного Сына. Эта икона стала образцом для подражания и множества списков.
Мозаики в Соборе Святой Софии в Киеве (1037) были выполнены византийскими мастерами. Мозаикой выложены центральный купол и алтарь. Сохранились купольное изображение Христа-Пантократора, и некоторые фрагменты ангелов и святителей. Самая известная мозаика собора — «Оранта» в конхе центральной апсиды. Богоматерь в позе моления с поднятыми ввысь руками. Под ней изображено причащение апостолов (Евхаристия). Еще ниже рядом: древние святые отцы и праотцы. Остальное пространство храма расписано фресками. На стенах сохранилось множество граффити.
В небольших северных городах храмы украшали фресками. Так, Софийский собор в Великом Новгороде (1045–1050) был расписан уникальными, фрагментарно сохранившимися фресками: фигурами пророков и архангелов в куполе. Также в паперти сохранилось древнее изображение свв. Константина и Елены.
Из древнейших новгородских икон известна «Ангел Златые власы» (ГРМ), датируемая XII веком. «Устюжское Благовещение» (ГТГ) — также одна из немногих домонгольских икон, созданная в Великом Новгороде.
Редактировать

Искусство периода феодальной раздробленности и монгольского ига (XII–XIV вв.)

Нашествие татаро-монгольского ига на Киев в 1240 году прервало связи с Византией. Однако это не породило забвение христианской культуры, но сделало изобразительное искусство более самобытным. Это ознаменовалось появлением региональных художественных школ.
Крупным культурным центром было Владимиро-Суздальское княжество. Особенностью Владимиро-Суздальских храмов является каменная резьба — декоративное убранство наружных стен. Яркий пример тому — Дмитровский собор во Владимире. Рельефные изображения святых, животных, птиц, грифонов, и растительные мотивы превращают верхнюю часть стены в сплошной декоративный орнамент. Также примечательна резьба Георгиевского собора в Юрьев-Польском. Языческие мотивы присутствуют только на наружных стенах, внутри стены храма расписаны Евангельскими сюжетами.
Крупнейшим центром художественной жизни был Новгород. В отличие от Киева и Москвы, он избежал порабощения во время татаро-монгольского ига, поэтому в нем сосредоточилась художественная жизнь, отличающаяся своеобразием и сдержанностью, которые свойственны северным городам.
Знаменитый иконописец из Византии Феофан Грек (около 1340 – около 1410) нашел на Новгородской земле благоприятные условия. Известным его творением являются росписи церкви Федора Стратилата и церкви Успения на Волотовом поле, фрески храма Спаса на Ильине улице. Художник наполнил свои образы динамикой и духовным напряжением, они как бы парят в пространстве. Также он был выдающимся иконописцем, автором образов Преображения, Донской Богоматери, Успения Богоматери.
Редактировать

Искусство централизованного государства на Руси (XV–XVIвв)

После свержение татаро-монгольского ига в сложении древнерусского искусства главную роль играла Москва, ставшая центром объединенного русского народа. Своего расцвета живопись достигает с появлением вошедшего в историю художника Андрея Рублева. Его работы совмещают духовное восхождение и аскезу с византийской эстетикой. Особая мягкость и глубина отражены в образах Живоначальной Троицы, иконах Звенигородского чина и Успения Богоматери (ГТГ).
Еще один живописец, прославивший Московское княжество, — Дионисий. Его образы утонченны, пропорции удлинены. Влияние мастера было столь велико, что появилась целая «школа Дионисия». Некоторые из сохранившихся его работ: фрески Рождества Богоматери в Пафнутьево-Боровском монастыре, Успенского собора Московского Кремля, икона митрополита Петра в житии, митрополита Алексия в житии, Богоматерь Одигитрия.
В 1551 году Стоглавый собор Иоанна Грозного для искоренения ереси и суеверий, установил строгие правила для иконописцев. В нем говорится: «Писати живописцем иконы с древних проводов, как греческие живописцы писали и как писал Андрей Рублев и прочие пресловущии живописцы».
Редактировать

Изобразительное искусство XVII века

В XVII в. стремительно развивалось искусство книжной миниатюры. Сосредоточием книжного производства была Оружейная палата в Кремле, где работали лучшие мастера, создавая также ювелирные изделия, эмали, оклады и т. д.
Среди живописцев выделяется Симон Ушаков (1626–1686). Его образ «Нерукотворный Спас» (ГТГ) отражает современное ему стремление к внешней красоте, обмирщению образа. В это время художники стараются передать внешний мир в реалистичных традициях, изображая перспективу, светотень и эмоции на иконах. Большое влияние имеют западно-европейские художественные традиции.
Живопись XVII века ознаменовалась появлением парсуны (искаженное от слова «персона») — первые изображения в иконописном стиле светских лиц и ныне живущих знатных особ, или же надгробные портреты. Прежде всего, это изображения царей — Иоанна Грозного и Феодора Иоанновича, князей — портрет М. В. Скопина-Шуйского.
Редактировать

Изобразительное искусство XVIII века

Первая половина XVIII века

Реформы Петра I оттенили церк овное искусство, выведя на первый план светские сюжеты и образы, заимствованные в Западной Европе. С началом строительства Санкт-Петербурга в Россию приглашалось множество зарубежных мастеров, которые обучали российских художников новым методам и идеям просвещения. Быстрыми темпами шло развитие науки и издательского дела.
Несмотря на следование иностранным образцам, Российская империя выработала собственную художественную школу, создававшую живопись, скульптуру и графику, которая отличалась от западной своей оригинальностью и самобытностью. Мастера портретного жанра передавали характер и особенности человека. Таковы портреты Петра I, напольного гетмана, и другие работы И. Н. Никитина.
А. М. Матвеев, получивший художественное образование в Амстердаме и Антверпене, тонко передает настроение и глубину в камерном автопортрете с женой. Особенности характера и частность он вносит и в парадные портреты княгини Голицыной и Петра I.
Работы российских мастеров И. Я. Вишнякова, А. П. Антропова и И. П. Аргунова отличало от западных художников стремление передать внутренний мир изображаемого и реальность происходящего. Такие портреты как М. А. Румянцевой, Петра III, А. М. Измайловой кисти Антропова трезво и честно, избегая сарказма, рассказывают о своих героях.
Благодаря активному градостроительству на европейский лад, интерес к скульптуре в XVIII веке невероятно вырастает. Русские ценители отдают предпочтение античной пластике, в Россию прибывает Венера Таврическая, произведшая небывалый резонанс в публике. В оформлении Летнего Сада используют классическую скульптуру: обнаженных богов и богинь. Множество античных героев украшают царский парк в Петергофе.
Итальянский архитектор Б. Растрелли (1700(?)–1771), нашедший в России вторую родину, создал величественный бюст Петра I. Также известны его скульптурные портреты Анны Иоанновны, Меньшикова, автопортрет, бронзовая конная статуя Петра I.

Вторая половина XVIII века

Имена крупнейших русских художников Ф. С. Рокотова (1735?–1808), Д. Г. Левицкого (1735–1822) и В. Л. Боровиковского (1757–1825) связаны с Императорской академией художеств. О создании Академии ратовал еще Петр I, однако она была открыта только в 1757 году. Ориентируясь на художественные академии Европы, она осуществляла контроль над творческой жизнью, имела непосредственное влияние на развитие искусства.
Примечательны парадные портреты Левицкого. Они призваны показать весь блеск аристократии, но в серии портретов «Смолянок» за сценическими образами и пышными шелками выпускниц Смольного института проглядывают живые девушки со своими личными чертами, мимикой, особенностями.
Живопись Боровиковского созвучна взглядам сентиментализма. Она внесла представление об идеальном человеке, гармонирующим с природой и своими эмоциями. Его женские образы нежны и пленительны, а мужские полны доблести и чести. Портреты М. И. Лопухиной, Н. И. Куракиной, Е. Н. Арсеньевой женственны и умиротворены, но не лишены индивидуальности. Его автопортрет полон созерцат ельности и наблюдательности.
Во второй половине XVIII века ярко выделился исторический жанр. Основоположником его был А. П. Лосенко (1737–1773 ). За создание картины «Владимир и Рогнеда» он получил звание академика исторической живописи. Его полотна выдержаны в стиле классицизма, полны драматизма, театральности и пафоса. Благодаря Лосенко история России по своей значимости встала наравне с античностью.
С распространением парковой культуры получил свое развитие жанр пейзажа. Идеалистичные пейзажи-панно, воспевающие естественную красоту природы, творил С. Ф. Щедрин (1745–1804). Восхваляя новую столицу, Ф. Я. Алексеев (1753(?)–1824) писал городские пейзажи, ориентируясь на итальянские образцы Каналетто.
В середине XVIII века переживала свой подъем скульптура. Академия Художеств воспитала множество талантливых скульпторов, раскрывших свои свои способности в разных жанрах. В жанре портрета работал Ф. И. Шубин (1740–1805). В своих знаменитых портретах Павла I, А. М. Голицына, П. А. Румянцева и других значимых личностей эпохи, он соединил классическую гармонию с передачей индивидуальных, психологических особенностей своих моделей.
Создание памятников заняло важную нишу в развитии скульптуры. В этом жанре успешно работали знаменитые скульпторы И. П. Мартос (1754–1835) и М. И. Козловский (1753–1802).
«Медный всадник» Э. Фальконе (1716–1791) — вершина пластического мастерства и техники. Эта знаменитая статуя повлияла на творчество многих русских художников.
Новый стиль — классицизм — набирает силу в конце XVIII века. Под воздействием идей просвещения, ориентируясь на античные образцы, скульпторы создают мощные образы героев, преданных своему народу и государству.
Творения Козловского полны патетики и силы: памятник Суворову в Санкт-Петербурге в образе воинственного Марса, «Геркулес на коне», «Бдение Александра Македонского». «Сампсон, раздирающий пасть льву», подобно Гераклу, является композиционным центром Большого Каскада в Петергофе.
Редактировать

Изобразительное искусство XIX века

Первая половина XIX века

Это яркий период в русском искусстве, отмечен небывалом развитием литературы, живописи, архитектуры и скульптуры. До 1930-х годов господствующим стилем был классицизм, однако потом он принял форму строгих правил, системы. Так возникает академизм — следование канонам и предписаниям Академии Художеств. Академической живописи свойственны сдержанность и официальность.
Романтизм привнес в живопись интерес к личности человека, его значимости в окружающем мире. Это мировоззрение было противоположно классическим идеям о героическом и самоотверженном гражданине. Но романтизм в России приобрел героическую окраску, не пренебрегая историческими и религиозными сюжетами.
Знаменитый портретист О. А. Кипренский (1782–1836) наделял изображаемых наилучшими человеческими качествами. Не отрицая романтизма, он также следовал классическим канонам в стремлении показать сдержанного человека со всеми его талантами и благородством. Ср еди его полотен знаменитые портреты героев Отечественной войны 1812 года, Пушкина, Батюшкова, Жуковского.
Ученик Боровиковского А. Г. Венецианов (1780–1847) на своих полотнах воссоздал множество сцен из крестьянской жизни, идеализируя и воспевая ее. Был одним из родоначальников бытового жанра.
В. А. Тропинин (1776–1857) стремился показать живого, будничного человека в его повседневности. В таких его произведениях, как «Портрета сына», «Кружевница», «Гитарист» прослеживается влияние реалистических тенденций в искусстве.
К. П. Брюллов (1799–1852) был первым художником России известным заграницей. «Последний день Помпеи» — знаменитое его полотно, которое было представлено всей Европе. Художник много работал в Италии, восприняв колорит этой страны, сочность красок, богатство образов. Его талант раскрылся как в портретной живописи, так и в монументальных творениях.
А. А. Иванов (1806–1858) привнес в русскую живопись глубину философской мысли, став мастером не только портрета, пейзажа, но и библейского жанра. Его талант выразился в картине «Явление Христа народу», где каждый персонаж и его характер были отдельно проработаны в серии эскизов. Пейзаж поражает своей материальностью и реалистичностью, а образ Христа божественный и вещественный одновременно.
Московское училище живописи, ваяния и зодчества было основано в 1833 году, открывая череду новых художественных учебных заведений.

Вторая половина XIX века

Во второй половине XIX века преобладает реализм. Молодые художники Академии Художеств взбунтовались против ее вездесущего контроля над изобразительным искусством. Они требовали право писать работы на собственные темы, не желая работать в классическом стиле. Получив отказ, и покинув стены учебного заведения, создали Товарищество передвижных выставок. К числу передвижников принадлежали Перов, Крамской, Шишкин, Репин и Суриков, Мясоедов, Саврасов, Ге, Поленов и т. д.
Предпринимать и меценат П. М. Третьяков (1832–1898) коллекционировал работы русских художников, одним из первых оценил значение передвижников. Благодаря его интересу к искусству и благотворительности, знаменитые сегодня полотна стали доступны широкому кругу людей XIX века. В 1892 году Третьяков передал свою коллекцию живописи в дар Москве, так была основана Третьяковская галерея.
На смену лирическому и идеализированному реализму начала века пришел критический реализм с его горечью и осуждением человеческой натуры.
Творчество передвижников отразилось во всех жанрах живописи.
Выражая свой протест академизму, помимо «высоких» тем, художники стали обращаться к образам крестьян и рабочих, выражая художественными методами пессимизм и разочарование в окружающей действительности.
По заказу Третьякова был выполнен ряд портретов знаменитых личностей и выдающихся деятелей: Ф. М. Достоевкого кисти В. Г. Перова (1833–1882), портрет Л. Н. Толстого авторства Н. Н. Ге (1831–1894), портрет Н. Некрасова в период последних песен И. Н. Крамского (1837–1887), портрет композитора М. Мусоргского кисти И. Е. Репина (1844–1930), и ряд других. Каждый портрет полон психологизма и глубины человеческих переживаний.
Мастера пейзажа внимательно и чутко относились к изображению русской природы, видя в ней не романтичную противоположность цивилизации, а поэтическое обаяние, созвучное человеческой душе.
Одним из главных принципов изображения у передвижников было беспристрастное отражение действительности. Таким реалистом в пейзажной живописи выступил И. И. Шишкин (1832–1898). Его произведения «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии», «Рожь», «Лесные дали», «Утро в сосновом бору» показывают не только интерес к природным явлениям, но и воспевают красоту и мощь русских лесов и полей.
В произведении А. К. Саврасова (1830–1897) «Грачи прилетели» художник изобразил неотделимость природы от человека. «Московский дворик» В. Д. Поленова (1844–1927) призван увидеть поэзию в самом обыденном.
В конце 80-х годов признанный пейзажист И. И. Левитан (1860–1900) искал новые пути развития русского искусства. Для него изображаемая природа олицетворяла Родину. Работая на реке Волге, он создал ряд полотен, в которых отражены сила и бесконечность русской природы, как отблеск русской души. «Над вечным покоем» полно раздумий о бренности человеческой жизни и духовном восхождении.
Работая в историческом жанре, рассуждая о роли личности в истории, ее самобытности и свободе, В. И. Суриков (1848–1916) создает свои знаменитые картины «Утро стрелецкой казни», «Меншиков в Березове», «Боярыня Морозова», «Переход Суворова через Альпы».
И. Е. Репин (1844–1930) работает в духе обличительного искусства. В попытке осознать роль человека, его глубину и характер, печалясь о своем народе, создает «Бурлаки на Волге», «Крестный ход в Курской губернии». Рассуждая о судьбе революционных движений, пишет «Не ждали».
В. М. Васнецов (1848–1926) воспевал в своих картинах и монументальных работах древнерусских героев, богатырей и князей, сказочных персонажей. Работая над декорациями и создавая костюмы для исторических героев, пишет полотно «Царь Иван Васильевич Грозный». Образ царя мрачен, но полон силы и уверенности. Наблюдая за характером русского народа, создает знаковое произведение «Богатыри».
М. В. Нестеров (1862–1942) противопоставлял умерщвляющему быту тишину монастырской жизни благообразие святых и созерцательность природы. «Видение отроку Варфоломею» повествует не только об отроке, ставшим чудесным образом способным к учению, но и о душевной чистоте и нравственном пробуждении.
Поборник реализма В. В. Верещагин (1842–1904) создает серию картин и зарисовок, посвященных русско-турецкой войне, где он выступал военным художником. «Апофеоз войны» — гора черепов, в понимании мастера это воплощение идеи о войне.
Развитие скульп туры во второй половине века было не так стремительно, как живописи. В выборе тем и художественных методов она ориентировалась на академизм.
Одним из ведущих мастеров эпохи был П. К. Клодт (1805–1867), ставший родоначальником русской реалистической скульптуры. Всемирно известные конные скульптуры Аничкова моста демонстрируют стадии покорения животных укротителем. Конная статуя Николая I олицетворяет помпезность и мощь, тогда как в памятнике И. Крылову прослеживаются более камерные мотивы.
По проекту М. О. Микешина (1835–1896) в Великом Новгороде создается памятник «Тысячелетие России». Это важное событие, момент осознания значимости для мировой культуры русского искусства и истории. Памятник представляет собой державу на постаменте в форме колокола. Он делится на три художественных ряда, на каждом из которых изображены различные фигуры, представляющие ту или иную эпоху. Памятник венчает фигура ангела с крестом в руке и коленопреклоненная женщина, символизирующая Россию.
Важным произведением второй половины XIX века является памятник Екатерине II. В его создании участвовали скульпторы М. А. Чижов (1838–1916), А. М. Опекушин (1838–1923) и М. О. Микешин. Помимо строгого и официального образа царицы, на нем изображены великие деятели ее эпохи: Потемкин, Суворов, Державин и др.
Памятник А. С. Пушкину, созданный Опекушиным, был установлен в Москве в 1880 году. В отличие от большинства монументов той поры, фигура поэта значительна, однако полна портретного сходства и индивидуальной характеристики. Пушкин стоит, полон раздумий над своим произведением, голова его опущена, а правая рука покоится на груди под сюртуком.
Повторяя путь живописи, активно развивается жанровая скульптура. Таковы работы Пименова «Парень, играющий в бабки», П. А. Ставассера «Мальчик, удящий рыбу», В. П. Крейтана «Сеятель». Близкими работами по духу с передвижниками были скульптуры М. А. Чижова «Крестьянин в беде», «Мать-крестьянка, обучающая свою дочь родному слову», «Дети, играющие в жмурки».
В историческом жанре работал скульптор М. М. Антокольский (1843–1902). Его прославили работы «Иван Грозный» и «Петр I». Эти исторические персонажи наполнены содержанием и глубиной мысли, что так особо ценилось в передвижнической среде. В поздних его работах исследователи отмечают отход от реализма в сторону идеализации: «Христос перед народом», «Иоанн Креститель», «Спиноза», «Умирающий Сократ».
Редактировать

Изобразительное искусство конца XIX– начала XX века

Реалистическое направление в искусстве к концу XIX века стало сдавать свои позиции. На рубеже веков стал господствовать стиль модерн. Ему свойственны витиеватые линии, биоморфные мотивы, использование новых материалов и технологий.
В живописи проявляется декоративная условность, ковровая орнаментальность, четкие, будто скульптурные образы.
Ярким представителем стиля модерн был М. А. Врубель (1856–1910), чье искусство выступало под девизом «декоративно все». «Демон» — определяющий образ в творчестве Врубеля. В его образе нет стремления к победе собственных сомнений, а лишь уныние и безнадежность. Кисти Врубеля принадлежат многие портреты, один из них — предприниматель и мецентат Мамонтов. Сказочност ь и потусторонность художник выразил в своих произведениях «Пан», «Царевна Лебедь» и других мифических образах.
Врубель использовал в своем творчестве разные техники, порой смешивая жанры и виды искусства. Он занимался также скульптурой и рисунком. Участвовал в монументальных росписях храма Спаса на Крови в Санкт-Петербурге.
Идея «чистого искусства» породило появление журнала «Мир искусства». Этот журнал стал центром художественной жизни в предреволюционный период.
Художники, объединившиеся вокруг «Мира искусства» побуждали к изучению истории России, пробуждали интерес к художникам XVIII века, развивали музейную деятельность. Они способствовали развитию иллюстрации (И. Я. Билибин (1876–1942), К. А. Сомов (1869-1939)) и театрально-декорационного искусства (Л. С. Бакст (1866–1924) , Н. К. Рерих (1874–1947))
А. Н. Бенуа (1870–1960) — основоположник «Мира искусства», художник, и критик. Свое творчество посвятил стремлению к прошлому, ретроспективе. Множество его работ изображают Версаль, его архитектурное убранство. Бенуа создает акварельную серию Последние прогулки Людовика XIV, иллюстрации к «Пиковой даме», и «Медному всаднику» А. С.Пушкина.
В своем творчестве К. А. Сомов (18691939) как и Бенуа воспевал XVIII век. Его образы скульптурные и маскарадные, он не искал в них индивидуальности и психологизма.
Работы М. В. Добужинского (18751957) посвящены современности, человеку и городу XX века: «Человек в очках» — одно из известных его произведений.
А. Я. Головин (18631930), художник, близкий по взглядам к мирискуссникам, работал в жанре портрета и театральной декорации. «Шаляпин в роли Олоферна» — синтетический образ, соединяющий портрет артиста и героя театра.
3. Е. Серебрякова (1885–1967) — создала серию детских и женских портретов, отличающихся ясностью цветовых решений, изящностью и поэтичностью («За туалетом. Автопортрет»), ню («В бане»), крестьянских образов и пейзажей. Занималась монументальной живописью: неосуществленные эскизы фресок Казанского вокзала. Эмигрировав во Францию и путешествуя по миру, создала цикл марокканских картин.
Многие художественные деятели рубежа эпох собрались вокруг купца и мецената С. И. Мамонтова, организовав так называемый «Мамонтовский кружок».
В мамонтовской усадьбе Абрамцево работали многие именитые художники: братья Васнецовы, Репин, Левитан, Коровин, Врубель, и т. д., а также известные скульпторы, актеры и музыканты. Были организованы гончарные мастерские, поддерживалось воссоздание народных промыслов, изучение фольклора. Целью Мамонтовского кружка был синтез народного творчества, воспринимавшегося романтически-трогательно, и современного искусства.

Скульптура конца XIX — начала XX века

Скульптура также как и живопись претерпевала изменения. Благодаря влия нию новых течений, скульпторы старались воплотить новые образы и идеи в своих работах. Монументальная скульптура была уже не так популярна, тогда как портрет и декоративная пластика активно развивались.
Памятник Александру III скульптора П. П. Трубецкого — значительная монументальная работа начала века. Образ полон величественности и русской силы, композиция выстроена четко и размеренно.
Также Трубецкой был автором многих портретов и жанровых сцен («Мать и дитя», «Дети», «Портрет Ф. И. Шаляпина» и др.).
Заслуживают внимания памятник Пушкину Р. Р. Баха, памятник Н. В. Гоголю Н. А. Андреева, памятник Ивану Федорову С. М. Волнухина.
На рубеже веков появляются новые материалы, не знакомые доныне классической скульптуре. Это дерево, керамика, фарфор. В скульптуре начинают использовать различные цвета.
М. Врубель активно занимался скульптурой и декоративной пластикой, создавая такие произведения как «Демон», «Египтянка», «Царь Берендей» и др.
А. С. Голубкина (18641927), ученица О. Родена, создает ряд образов, наполненных индивидуальностью, психологизмом и социальным окрасом: «Старость», «Материнство», «Портрет Карла Маркса». Ее скульптуры воссоздают видных деятелей, пролетариев, портреты частных лиц, а манера исполнения насыщена динамизмом, экспрессией. Голубкина максимально использует фактуру материала для передачи эмоционального настроя.
С. Т. Коненков (18841981) крупнейший скульптурный мастер реализма. Он создавал образы рабочих и крестьян, одна из первых его работ «Камнебоец». Многие его работы посвященны былинам и эпосу («Старичок-полевичок», «Жар-Птица», «Стрибог»), античной мифологии («Кора», «Атланты», «Ника»).

Авангард

В начале ХХ века набирает силу русский авангард. Он объединяет в себе течения в искусстве, возникшие как протест традиционному, это переломный момент в истории русской культуры. В ХХ веке помимо технического прогресса, происходит множество глобальных событий, изменивших мир и взгляды человечества.
Началом авангардистского искусства принято считать объединение «Голубая роза», созданное в 1907 году.
Выставка современного шокирующего искусства в 1910 году «Бубновый валет» породило одноименное художественное объединение, объявившее протест академическому искусству. Также существовали следующие авангардистские кружки: «Ослиный хвост», «СОЮЗ молодежи».
Абстракционизм — одно из направлений авангарда. Проявился в отказе от реалистичного изображения действительности. Задача абстракционизма — создать впечатление и различные ассоциации у зрителя путем необычных сочетаний форм и цвета. Основоположниками были В. В. Кандинский ( 18661944) («Незнакомому голосу», «Фуга», «Ущелье» ), К. С. Малевич (18791935), в последствии ставший основателем супрематизма, Н. С. Гончарова (18811962) и М. Ф. Ларионов (18811964) («Танцовщица в движении»), в будущем создатели лучизма. Кандинский выразил свое понимание живописи в работе «О духовности в искусстве» (1911).
Кубизм — близкое к абстракционизму течение, которое своей целью ставило изображение реальности с помощью пересекающихся линий и условных геометрических фигур. Основоположником кубизма считают Пабло Пикассо. В России кубизм просуществовал недолго, преобразуясь в кубофутуризм, которому свойственны раздробленность предметов на части, энергия. Каждая стадия движение изображается отдельно. Русскими художниками, работавшими в этом направлении, были Д. Д. Бурлюк (1982–1967), К. С. Малевич, Н. С. Гончарова, О. В. Розанова (1886–1918) и другие.
«Черный квадрат» К. Малевича был представленный на выставке «Ноль-десять» стал точной отсчета существования супрематизма, стиля к которому обратились многие кубофутуристы. Супрематизм — происходит от латинского suprem — высший, то есть доминирование цвета над формой и содержанием произведения. Живопись этого направления выражалась сочетанием разных цветовых плоскостей и простых геометрических форм. Основы и особенности нового течения К. Малевич описывает в своей работе «От кубизма и футуризма к супрематизму».
Конструктивизм как направление сложился в 20-х годах, однако началом его принято считать работы В. Е. Татлина (1885–1953), автора Башни III Интернационала и серии рельефов и контррельефов. Они были созданы под влиянием кубизма, однако уже имели индивидуальные признаки. Они были далеки от реальности, не имели себе ничего подобного и были сделаны из геометрических форм.
Конструктивизму свойственны строгость, сдержанность, геометризм и монументальность.
М. З. Шагал (1887–1985), в отличие от многих художников, не отказывается от фигуративной живописи, однако сочетает ее с авангардными течениями: экспрессионизмом, кубизмом, сюрреализмом и примитивизмом. Его известные работы «Над городом», «Прогулка», «Летящая деревня» отличаются фантастичностью, яркостью, лаконизмом и поэтичностью.
П. Н. Филонов (1883–1941) — автор теории «органической формы»: все детали картины должны взаимодействовать друг с другом, одна органически вливается в другую. Он также не отказывается от традиционной живописи, но испытывает влияние экспрессионизма и кубофутуризма, его образы геометричны. «Цветы мирового расцвета», «Симфония Шостаковича», «Человек в мире» — работы в которых автор изображает временные процессы: рост, развитие, угасание, звук.
Редактировать

Искусство советского периода

В революционный период и во время гражданской войны массовое агитационное искусство стало особенно востребовано. Мастера плаката ориентировались на русскую журнальную графику и лубок, создавая лаконичные, броские и условные работы. В жанре плаката работали А. П. Апсит, П. Моор («Ты записался добровольцем?»), В. Н. Дени и др.
Серия сатирических плакатов «Окна РОСТА» — важное место в истории развития советского плаката. Особую роль сыграли работы художника М. М. Черемных и поэта В. В. Маяковского, который был автором не только подписей, но и рисунков.
Революционный настрой непосредственно повлиял на живопись и графику. Художник К. Юон изобразил революцию в космическом масштабе в работе «Новая планета». Отражение революционной действительности в глазах художников можно наблюдать в произведениях К. С. Петрова-Водкина «Смерть комиссара», «1918 год в Петрограде» и Н. Куприянова «Броневики».
В 1922 году была создана Ассоциация художников революционной России. Одним из выдающихся представителей был Исаак Бродский, создавший «канонические» произведения: «Ленин в Смольном» и «Выступление Ленина на Путиловском заводе».

Советская скульптура 1918–1934 годов

«О памятниках республики» — Ленинский декрет 1918 года, оглашающий план агитации народных масс с помощью монументальной скульптуры, посвященной деятелям революции и культуры (план «Монументальной пропаганды»). Скульпторы за короткое время должны были создать массу произведений из дешевых и доступных материалов.
Татлин создает в 1920 году башню III Интернационала, символизирующую новое искусство, революционные стремления.
Известный портрет «Ленин — вождь» создан Н. А. Андреевым.
Иван Шардр создает серию скульптур людей соцтруда: «Рабочий», «Крестьянин», «Красноармеец», а также памятник Горькому для площади Белорусского вокзала.
В 20-х годах появляются работы В. Мухиной: проект «Освобожденный труд», «Крестьянка», «Рабочий и колхозница» — скульптурная группа, принесшая славу художнице.
Открытие Всесоюзной сельскохозяйственной выставки в Москве — решительный шаг в развитии скульптуры Советского союза. В скульптурном оформлении участвовал также С. Т. Коненков. Кроме того он создавал скульптуры, реализуя план «Монументальной пропаганды»: барельеф «Павшим в борьбе за мир и братство народов», «Степан Разин».

Социалистический реализм

На I Всесоюзном съезде советских писателей в 1934 году были сформулированы основные правила нового метода литературы и искусства — соцреализма. Это был жесткий идеологический контроль и пропаганда, призванные восхвалять героев социалистического труда, революционеров, рабочих, крестьян. Сюжет художественного произведения обязан был отразить революционную действительность, стремление к светлому будущему, и материалистические взгляды.
Картина Б. Иогансона «Допрос коммунистов» четко передает все принципы соцреализма: значительные эмоции, цельные образы и монументальные формы.
«Сталин и Ворошилов в Кремле» — известная работа художника соцреалиста С. Герасимова.
Теме крестьянства были посвящены работы А. Пластова.
А. Дейнека пишет работы на темы возведения новой архитектуры, спорта и авиации: «Будущие летчики», «На стройке новых цехов», «В Донбассе». Работает над мозаиками станции метро «Маяковская» (Москва).
Знаменитая «Новая Москва» Ю. Пименова — символ новой жизни, радости перемен: реконструкции Москвы и непривычной роли женщины.

Великая Отечественная война

Великая Отечественная война значительно повлияла на развитие искусства. Как и в революционный период, главным жанром изобразительного искусства был плакат. Над плакатами работали мастера прошлого, а также молодые художники, прославившиеся такими известными плакатами как «Родина-мать зовет!», «За Родину!», «Воин Красной армии, спаси!».
Советские художники ведут живописную хронологию войны: А. Дейнека работает над картинами военной темы: «Оборона Севастополя», «Окраина Москвы. Ноябрь 1941 года», С. Герасимов создает «Мать партизана». К. Юон «Парад на Красной площади 7 ноября 1941 года». Также появляются произведения, восхваляющие героев прошлого: П. Корин «Александр Невский», А. Бубнов «Утро на Куликовом поле».

Скульптура Великой Отечественной Войны

Скульпторы работали, создавая вдохновляющие на борьбу с врагом образы. Такие скульпторы как Н. Томский, И. Першудчев, В. Мухина создают ряд портретов воинов и героических личностей.
В годы войны не было возможности возводить памятники, однако делались важные проекты, которые осуществляли в будущем: Памятник Михаилу Ефремову, «Воин-освободитель» и др.

Послевоенный период

В послевоенный период в изобразительном искусстве становится востребованным исторический и революционный жанры.
В 1950 году создается масштабная работа Иогансона «Ленин на III съезде Комсомола».
Возникает интерес к бытовому жанру, например, картина А. Лактионова «Письмо с фронта».
Активно развивается графика, создается множество иллюстраций к художественным произведениям.
Скульпторы после войны призваны создавать монументальные образы героев войны и Героев социалистического труда: Н. Томский «Памятник Черняховскому», Ю. Микенас «Памятник 1200 гвардейцам». Создаются памятники историческим деятелям, деятелям искусства и культуры: П. И. Чайковскому работы В. Мухиной, Юрию Долгорукому скульптора С. Орлова, А. С. Пушкину руки М. Аникушина.
На местах боевых действий и концлагерях появляются мемориальные комплексы, такие как «Мамаев курган» в Сталинграде, «Мать-родина» на Пискаревском кладбище и др.
Изобразительное искусство в период развитого социализма (1960–1980 гг.) ознаменовалось появлением сурового стиля в живописи. В суровом стиле проявилось стремление к досталинским художественным образцам 1920-х годов, желание покончить с официальностью и парадностью.
«Наши будни», «Геологи» — известные работы П. Никонова, выдающегося художника этого направления.
Братья Смолины в полотне «Стачка» передают силу толпы, делая ее единым целым.
На рубеже 1960–1970 годов помимо официального искусства развивались новые художественные течения и поиски, которые приводили порой к отсутствию самого объекта искусства, так появились перформансы и хеппенинги.
В 1974 году бульдозеры смели выставку нонконформистов (противостоящих общественному мнению) в Москве, что привело к эмиграции многих известных художников.
Редактировать

Актуальное искусство в России. 1985–2010-е годы

Приход к власти М.С. Горбачева снял всяческие табу, искусство более не подлежало контролю государства. Стали проходить персональные выставки запретных ранее художников: Малевича, Филонова. Музеи открывали свои запасники, знакомя публику с произведениями, скрытыми еще в 30-е годы. Обретение художественной свободы способствовало образованию художественных группировок и ряду известных галерей: «Риджина», Галерея М. Гельмана, L-Галерея, «Айдан», XL.
Значительные фигуры современной художественной жизни: И. Кабаков — художник, иллюстратор, теоретик, Э. Булатов — один из основоположников соц-арта, а также Сотрудничество «Ко́мар и Мелами́д», Д. Пригов (1940–2007) — писатель, художник и скульптор.
Начиная с 2000 года искусство встает на коммерческие рельсы, возникают новые галереи: Stella Art Gallery, RuArts, проходят многочисленные аукционы. В 2003 году происходит знаковое событие: Разгром выставки «Осторожно, религия!» в Сахаровском центре, что дало повод к спорам и нападкам между официальной позицией и современным искусством.
Придерживаясь классического направления, в живописи работают: И. С. Глазунов, А. М. Шилов.
Современные скульптуры З. К. Церетели, А. Н. Ковальчук, М. М. Шемякин, Э. Неизвестный создают новые образы, работают на территории России и зарубежом.
Редактировать

Библиография

  1. Агитационно-массовое искусство Октября. Оформление праздников. М., 1984.
  2. Акимова И. Г. Советская жанровая живопись. М., 1962.
  3. Александр Родченко. Варвара Степанова.. Будущее- единственная наша цель… Под общ. ред. П. Невера. Вступ. статьи А. Лаврентьева и А. Фелькер. Мюнхен, 1991.
  4. Алексеева Т. В. В. Л. Боровиковский и русская культура на рубеже XVIII–XIX в. М., 1975.
  5. Алексеева Т. В. Художники школы Венецианова. М., 1958.
  6. Алпатов М. В. Александр Иванов. Жизнь и творчество. В 2 т. М., 1956.
  7. Алпатов М. В. Андрей Рублев. М., 1959.
  8. Алпатов М. В. Древнерусская иконопись. М., 1974.
  9. Алпатов М. В. Этюды по истории русского искусства. В 2 т. М., 1967.
  10. Алпатов М. В. Этюды по истории русского искусства. В 2 т. М., 1967. Т. II.
  11. Бенуа А. Н. А. Бенуа размышляет... М., 1968.
  12. Бенуа А. Н. История русской живописи в XIX веке. СПб., 1901. Ч. 1.
  13. Борисова Е. А, Стернин Г.Ю. Русский модерн. М.. 1990.
  14. Брюсова В. Г. Живопись XVII века. М., 1984.
  15. Вагнер Г. К. От символа к реальности. М., 1980.
  16. Вагнер Г. К. Проблема жанров в древнерусском искусстве. М., 1974.
  17. Вагнер Г. К. Скульптура Древней Руси. М., 1969.
  18. Валков Н. Н. Композиция в живописи. М., 1977.
  19. Владимир Татлин. Ретроспектива. Составители А.Стригалёв, Ю.Хартен. Кёльн, 1993–1994.
  20. Волков Н. Н. Цвет в живописи. М., 1965.
  21. Всеобщая история искусства. В 6 т. М., 1960–1966.
  22. Гершензон-Чегодаева Н. М. Д. Г. Левицкий. М., 1964.
  23. Грабарь И. Э. В. А. Серов. Жизнь и творчество. М., 1965.
  24. Грабарь И. Э. История русского искусства. В 6 т. 1909–1916.
  25. Грабарь И. Э. Репин. В 2 т. М., 1963–1964.
  26. Данилова И. Е. Фрески Ферапонтова монастыря. М., 1970.
  27. Демина Н. А. «Троица» Андрея Рублева. М., 1963.
  28. Дмитриева Н. Врубель. М., 1984.
  29. Е. Деготь. История русского искусства ХХ века. М., 2000.
  30. Евангулова О. С. Изобразительное искусство в России первой четверти XVIII в. М., 1987.
  31. Жидков Г. В. Русское искусство XVIII века. М., 1951.
  32. Ильин М. А. Искусство Московской Руси эпохи Феофана Грека и Андрея Рублева. М., 1976.
  33. Ильина Т. В. И.Я. Вишняков. Жизнь и творчество. М., 1979.
  34. Ильина Т. В. Русское искусство XVIII века. М., 1999.
  35. Ильина Т. В., Римская-Корсакова С. В. Андрей Матвеев. М., 1984.
  36. История русского и советского искусства/Под ред. Д. В. Сарабьянова. М., 1979; М., 1989.
  37. История русского искусства. В 13 т./Под ред. И. Э. Грабаря, В. Н. Лазарева и B. C. Кеменова. М., 1953–1969.
  38. История русского искусства. В 2 т./Под ред. М. М. Раковой, И. В. Рязанцева, М. Г. Неклюдовой, М. Б. Милотворской. 2-е изд. М., 1979–1981.
  39. Каганович А. Л. Антон Лосенке и русское искусство середины XVIII столетия. М., 1963.
  40. Коган Д. Мамонтовский кружок. М., 1970.
  41. Л.Зингер. Советский живописный портрет. 1917-1930. М., 1978.
  42. Л.Зингер. Советский живописный портрет. 1930е-60е годы. М., 1989.
  43. Лазарев В. Н. Древнерусские мозаики и фрески. М., 1973.
  44. Лазарев В. Н. Феофан Грек и его школа. М., 1961.
  45. Лапшина Н. «Мир искусства». Очерки истории и творческой практики. М., 1977.
  46. Лебедев Г. Е. Русская живопись первой половины XVIII века. Л., М., 1938.
  47. Лебедев Г. Е. Русская книжная иллюстрация XIX века. М., 1952.
  48. Леонов А. Симон Ушаков. Русская живопись XVII века. М., Л., 1945.
  49. Подобедова О. И. Московская школа живописи при Иване IV. М., 1972.
  50. Пятьдесят лет советского искусства. Живопись. 1917-1967. М., 1967.
  51. Пятьдесят лет советского искусства. Скульптура. 1917-1967. М., 1967
  52. Русское искусство. Очерки о жизни и творчестве художников XVIII века/Под ред. А. Леонова. М., 1952.
  53. Русское искусство. Очерки о жизни и творчестве художников первой половины XIX века/Под ред. А. Леонова. М., 1954.
  54. Русское искусство. Очерки о жизни и творчестве художников. Вторая половина XIX в./Под ред. А. Леонова. В 5 т. М., 1962, 1971.
  55. Сарабьянов Д. В. История русского искусства второй половины XIX в. М., 1989.
  56. Сарабьянов Д. В. Русская живопись конца 1900-х – начала 1910-х годов. Очерки. М., 1971.
  57. Советское изобразительное искусство. 1917–1941. М., 1977.
  58. Советское изобразительное искусство. 1941–1960. М., 1981.
  59. Советское изобразительное искусство. М., 1962.
  60. Суздалев П. K. Советское искусство периода Великой Отечественной войны. М., 1965.
  61. Традиции и истоки отечественного дизайна. Труды ВНИИТЭ, вып, 21. М., 1979.
  62. Традиции и истоки отечественного дизайна. Труды ВНИИТЭ, вып, 21. М., 1979.
  63. Федоров-Давыдов А. А. Русский пейзаж XVIII – начала XIX века. М., 1953.
  64. Ю. И.Голомшток. Тоталитарное искусство. М., 1994.

Смотри также

Статья находится в рубриках
Яндекс.Метрика